По материалам, предоставленным Иркутским областным художественным музеем.
Иркутский областной художественный музей имени В. П. Сукачёва − один из самых старинных музеев в России. Его собрание насчитывает более 24 тысяч произведений изобразительного искусства и является богатейшим на территории Сибири и Дальнего Востока. Ядро коллекции составляет картинная галерея городского головы Владимира Сукачёва, собранная в конце XIX века.
Среди значимых экспонатов — памятники иконописи, образцы русского искусства XIX–XX веков, представленные такими мастерами, как Илья Репин, Иван Шишкин, Алексей Саврасов, Иван Айвазовский, а также работы западноевропейских мастеров — Голландии и Фландрии. Мы составили перечень девяти самых ценных экспонатов.
Екатерина САНЖИЕВА
«Нищая». Илья Репин
По мнению искусствоведов, этюд «Нищая» является лучшей работой молодого Репина. Полотно, изображающее девочку с рыбацкими сетями в руках, написано в 1874 году во французском городе Вёль, куда художник отправился после окончания Петербургской академии искусств.
Репин одним из первых русских художников овладел искусством живописи на пленэре. Из Вёля, где обосновалась колония русских художников, тридцатилетний живописец увез 12 этюдов. Среди них была и работа из коллекции музея, «Нищая», односеансный натурный этюд французской девочки.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Широкая известность пришла к картине в 1948 году, когда цветная репродукция «Нищей» была опубликована в капитальном труде «И. Е. Репин. Художественное наследие» под редакцией известных искусствоведов Игоря Грабаря и Ильи Зильберштейна. Она значилась среди вновь найденных вёльских этюдов художника.
«Взлохмаченные белокурые волосы, лицо с ещё не потемневшим розовым загаром, грустное, сосредоточенное выражение глаз, худенькая детская шея, загрубелые детские ручки. Все нарисовано безукоризненно, выписано тонко. Пейзаж сильно обобщен, почти не привлекает внимания. Но девочка словно живет в атмосфере летнего светлого дня…» — писала искусствовед Ольга Лясковская.
В работе «Нищая» впервые соединились все грани таланта художника: умение проникнуть во внутренний мир героя, мастерство живописца и графика. Владимир Сукачёв приобрел картину в мастерской у художника в 1880-е годы.
«Увенчание Христа терниями». Хендрик Янс Тербрюгген
Полотен крупнейшего художника Голландии XVII века Тербрюггена в России хранится всего лишь два. Одно из них является жемчужиной коллекции Иркутского художественного музея, второе находится в Эрмитаже. Известно, что полотно было написано в Голландии, затем оказалось в Германии, а после Второй мировой войны попало в Россию. В 1950 году Иркутский художественный музей выкупил бесценную картину у частного лица и, по сути, спас шедевр, несмотря на то, что авторство великого художника было установлено лишь в 1971 году.
«Увенчание Христа терниями» художник написал около 1622 года. На темном фоне картины, характерном для живописи караваджистов, запечатлено «венчание» Спасителя терновым венцом. Христос выглядит отрешенным и покорным судьбе. В отличие от его идеального образа, остальные фигуры на полотне потрясают реализмом: достаточно взглянуть на кряжистые руки, глубокие морщины на лице и шее старика или его лысеющую голову.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Картина поступила в музей в середине XX века как работа неизвестного художника. Сотрудники музея 20 лет безуспешно пытались установить авторство. Они обратились за помощью в Эрмитаж. Научный сотрудник Эрмитажа Ирина Линник предположила, что полотно написано Тербрюггеном. В 1968 году специалист провела экспертизу и подтвердила авторство художника.
Исследователи отмечают, что Тербрюгген имел обыкновение делать композиции на одну и ту же тему в двух вариантах: полуфигурно и в полный рост. Работа из музейной коллекции — парная к картине «Поругание Христа», находящейся в Копенгагенском музее.
Живопись Тербрюггена, отличающаяся глубокой меланхолией и драматизмом, оказала большое влияние на голландскую и европейскую живопись XVII века. Работы Тербрюггена представлены в крупнейших музеях Европы и США.
«Портрет предков». Неизвестные китайские художники XVII–XIX веков
Генеалогические древа знатных семей Китая, написанные минеральными красками на шёлке и бумаге, — редкость не только для коллекции Иркутского художественного музея. Произведения этого жанра не имеют аналогов в собраниях других музеев России. Подобные картины создавались после смерти портретируемых как дань уважения и почитания.
Четыре групповых портрета представляют собой своего рода генеалогические древа знатных семей и связаны с почитанием предков, имеющим особое значение в Китае. Древние китайцы считали, что благополучие их жизни полностью зависит от покровительства умершего предка, главы рода, старшего в семье. Почившие родственники изображались на свитках, которые помещались в родовых храмах или украшали парадные залы дома.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Такие портреты создавались по определенным правилам. Позы, жесты, осанка изображенных на свитках передают не столько индивидуальную, сколько социальную значимость человека. Костюм в портрете занимал одно из важнейших мест как знак социального статуса человека, его места в общественной иерархии, поэтому предки ― мужчины и женщины ― изображались в парадном одеянии.
Свитки были переданы в Иркутск музею Восточно-Сибирского отдела Русского географического общества в 1888 году ламой Гусиноозёрского дацана Дампилом Гомбоевым, исследователем и знатоком восточного искусства. Однако они нуждались в реставрации.
В 1958 году «Предки» были отправлены во Всероссийский художественный научно-реставрационный центр имени академика И. Э. Грабаря. Потребовалось 50 лет, чтобы справиться с заданием и спасти эти редкие произведения китайских мастеров. Работа над всеми портретами была завершена лишь в 2008 году.
Иркутский художественный музей является единственным обладателем подобных групповых портретов в России. После реставрации «Портреты предков» были впервые продемонстрированы в Москве на выставках «Реставрация музейных ценностей в России» и «Возрождение сокровищ России» и произвели настоящий фурор.
«Ужин трактористов». Аркадий Пластов
Одна из самых известных картин Пластова из серии «Люди колхозной деревни» находится в собрании советского искусства нашего музея. В Иркутск полотно попало после Всесоюзной выставки в 1952 году, где было подвергнуто критике. Однако позднее Третьяковская галерея заказала у автора ее копию. Пластов выполнил заказ, но иркутский «Ужин» по-прежнему считается лучшим.
Несмотря на живописные достоинства, картина «Ужин трактористов» стала объектом критики. Ругали произведение за «увлечение живописностью в ущерб идейному содержанию». Третьяковская галерея и Русский музей, обладавшие правом первыми закупать картины с выставок, отказались от нее, и картина была передана Иркутску по заявке музея. В годы «оттепели» о ней вспомнили, и в 1955 году она была временно передана в Третьяковку на выставку, посвященную XX съезду КПСС, с гарантией возврата. Но прошло более семи лет, а Третьяковская галерея картину не вернула.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Дело в том, что за эти годы она успела побывать на международных выставках в разных странах. После такого успеха картины за рубежом Третьяковская галерея подала министру культуры прошение о том, чтобы полотно оставили им. В ответ из Иркутска в Москву полетели письма и телеграммы с требованием вернуть картину домой. 9 января 1958 г. было отправлено коллективное письмо в высшие органы власти: ЦК КПСС и Совет Министров СССР. Рассказывают, что письмо попало к Хрущеву. Он долго возмущался и требовал, чтобы картину немедленно вернули Иркутску — «энергетическому центру Сибири». Он также добавил в адрес Третьяковской галереи: «Прошляпили в свое время, так уж нечего теперь…»
Настоящее признание пришло к Аркадию Пластову лишь во времена оттепели: в 1958 году за картины «Ужин трактористов» и «Девушка с велосипедом», являющиеся собственностью Иркутского художественного музея, он был награжден золотой медалью Министерства культуры СССР, а в 1966 году ему присудили Ленинскую премию.
«Утро в Венеции». Иван Айвазовский
Эта поздняя работа Айвазовского, в которой мастер достиг удивительной прозрачности, более полувека хранилась в запасниках музея. Из-за осыпающегося красочного слоя картину долгое время не могли восстановить. Работа иркутских реставраторов заняла годы, но ее результаты поражают.
Иван Айвазовский родился в Феодосии в семье купца. Художник, чье детство прошло на берегах Черного моря, был наделен даром глубоко чувствовать водную стихию. Красота Крыма стала источником вдохновения для будущего мариниста.
В собрании Иркутского художественного музея хранятся десять произведений Айвазовского: пять живописных и пять графических. Картина «Утро в Венеции» 1875 года — жемчужина музейной коллекции. Александр Сибиряков, иркутский предприниматель и благотворитель, приобрел её, скорее всего, на выставке в Петербурге. Два года спустя он подарил картину Иркутской мужской классической гимназии. В 1920 году работу передали в картинную галерею городского музея. Позднее на основе коллекции галереи создали Иркутский художественный музей.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
«Утро в Венеции» входит в число произведений 1870-х годов. Тогда наряду с загадочными ночными пейзажами и яркими, динамичными картинами раннего периода в творчестве Айвазовского появились тонкие, словно акварельные работы. При помощи тончайших цветовых нюансов живописцу удалось передать состояние раннего утра.
Судьба картины складывалась трагически: работу дважды отвозили в Москву в реставрационные мастерские имени Грабаря. Но красочный слой продолжал разрушаться. Спасла полотно Галина Муравьева — сотрудница музея, которая более 20 лет занималась его реставрацией и завершила работу в 2009 году.
«Игроки». Герард Зегерс
Фламандский художник Герард Зегерс в юности учился в Антверпене. В возрасте 17 лет его приняли в гильдию Святого Луки — профессиональное объединение художников. Членство в гильдии давало важные преимущества: живописец мог открыть мастерскую, официально продавать свои работы, преподавать. Кроме того, художник получал социальную защиту.
Зегерс завершил свое художественное образование в Риме. В 1611–1621 годах он работал в Испании и Италии, где особенно увлекся искусством знаменитого итальянца Микеланджело Караваджо. В этот период Зегерс изображал солдат, играющих в карты и кости, музыкантов и певцов.
После 1630 года под влиянием Питера Пауля Рубенса палитра Зегерса стала значительно светлее. Влияние Рубенса прослеживается в одной из самых известных работ мастера, «Поклонении волхвов», хранящейся в Церкви Богоматери в Брюгге. В это время художник писал многочисленные алтарные полотна для церквей и монастырей Фландрии и Германии, создавал произведения на темы древней и современной ему архитектуры.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Иркутское полотно «Игроки» Зегерс создал в традициях караваджизма. Приверженцы этого направления стремились точно передать особенности натуры, реалистично изображали предметы. В их работах отсутствует театральный антураж: нарядные костюмы, пышные платья, барочные завитки. Работы Караваджо и его последователей отличаются максимальной передачей объемности фигур, а также резким контрастом света и тени. Как правило, светлые силуэты людей они помещали на темный, почти черный фон. Несмотря на простоту сюжетов, в произведениях этого стиля ощущается драматическая сила.
Картина «Игроки» — яркий пример типичной для творчества художника композиции. Неровные отблески от пламени свечи создают резкий контраст света и тени, придавая людям некоторую взволнованность и напряженность. Композиция построена таким образом, что зрители словно оказываются внутри картины, становятся сопричастными происходящему.
«Зимний закат в еловом лесу». Юлий Клевер
Юлий Клевер — яркий представитель позднего романтизма в русском пейзаже конца XIX — начала XX века. Он родился в Дерпте (Тарту) в семье магистра химии. В 1870 году Клевер поступил в Петербургскую Академию художеств. Спустя два года его отчислили «за посещаемость»: академические занятия наводили на юношу скуку.
Несмотря на это, к живописцу рано пришла слава: в 26 лет Клевер получил звание классного художника первой степени, а еще через два года стал академиком. В 1886 году на выставке в Берлине его наградили золотой медалью. Не обладать ни одной картиной Клевера у состоятельных людей считалось признаком дурного тона.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Художник постепенно выработал свой стиль создания пейзажа: с золотыми закатами и эффектными красочными сочетаниями. Для работ Клевера характерны свободная манера письма, декоративность, пренебрежение частностями ради выразительности картины в целом. В лучших своих произведениях художник всегда оставался романтиком, заражающим зрителя любовью к природе и неспешной жизни вдали от городской суеты.
Юлий Клевер много и тщательно работал с натурой. Художники и знатоки особенно ценили его небольшие полотна, тонко передающие состояния природы. В картине «Зимний закат в еловом лесу» завораживают узловатые стволы старых елей, вздымающихся к небу, подтаявший снежный покров. Художнику удалось показать атмосферу таинственности, тишины и меланхолии.
Иркутская публика впервые увидела эту работу в 1890 году на открытии знаменитой благотворительной выставки «Зимний вечер в Эстляндии». В ней приняли участие многие иркутские коллекционеры. В собрание музея картина поступила в 1920 году из коллекции генерала Алексея Эверта, командующего войсками Иркутского военного округа.
«Натюрморт». Петр Кончаловский
Петр Кончаловский — один из самых известных русских авангардистов, мастер портрета и натюрморта. Он родился в Харьковской губернии в семье литератора. Склонность к живописи проявилась у него еще в детстве, но по настоянию родителей Кончаловский поступил на естественный факультет Московского университета. Позднее он все же решил посвятить жизнь искусству и отправился в Париж обучаться в Академии Жюлиана. Уже после возвращения в Россию в 1907 году Кончаловский окончил Академию художеств.
В том же году он снова поехал во Францию, где испытал сильное влияние французского постимпрессиониста Поля Сезанна. В поисках новых форм художник обратился к современной французской живописи, а затем увлекся русским народным искусством. Этот творческий симбиоз и определил своеобразие его манеры.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
В 1911 году вместе с другими живописцами-экспериментаторами Кончаловский образовал «Бубновый валет» — крупнейшее художественное объединение авангарда в России.
Петра Кончаловского называют богатырем русской живописи. Его произведения полны страсти и неудержимого темперамента, для них характерна красочная палитра. Конструируя свой мир, Кончаловский формировал объем цветом и старался охватить предмет во всех его пластических измерениях. Так, в «Натюрморте» обычные вещи из мастерской самого художника: ящик с холстами, топор, ведро, буржуйка — словно оживают, громоздясь в нетерпеливом движении.
В своем любимом жанре, натюрморте, художник предпочитал изображать самые простые вещи, которые в его работах обретали символический смысл и становились приметами своего времени. Мастер стремился передать новую эстетику революционного времени. После 1917 года Кончаловский стал одним из ведущих мастеров социалистического реализма. Работа поступила в наш музей в 1928 году из Государственного музейного фонда.
«Утро Москвы». Константин Юон
Константин Юон был мастером архитектурного пейзажа. Он писал среднерусскую природу и величайшие памятники древнего зодчества. Художник изображал старинные провинциальные русские города и свою родную Москву. На протяжении всей Великой Отечественной войны он оставался в столице. Даже зимой продолжал работать в своей холодной и нетопленой мастерской. Юон, как и многие художники в военное время, считал своим долгом творить и таким образом вносить посильную лепту в общее дело Победы.
Источник: ГБУК «Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва»
Однажды декабрьским утром, проходя через Москворецкий мост, художник увидел Кремль, озаренный лучами восходящего солнца. На покрытом утренним туманом мосту кипела жизнь: пробираясь по заснеженным улицам, спешили на фабрики рабочие, провозили заградительные аэростаты, навстречу двигались отряды солдат. Это сочетание оживленного ритма военной столицы и величественной красоты Кремля в лучах солнца поразило Юона. Живописец поспешил в мастерскую, чтобы запечатлеть все на полотне.
Спустя годы Константин Юон говорил, что у него сложился своеобразный рабочий метод: выносить холст на натуру, а потом дома продолжать работать в ожидании нового подходящего момента в природе. Он точно знал, в какое время появится нужное ему освещение, и приходил ровно за час. «А когда этот момент наступал, я клал кисть и лишь наблюдал взаимосвязь всех частей картины, ее существо», — говорил мастер.
Над картиной он трудился всю зиму. В 1942 году Юон завершил работу над полотном, которое назвал «Утро Москвы». Картина поступила в музей в 1948 году из Комитета по делам искусств при Совете министров СССР.